Les 12 Compositeurs Français Les Plus Connus

Fille d'un facteur d'orgue, Élisabeth Jacquet (le nom de la Guerre est ajouté à son nom lorsqu'elle épouse l'organiste Marin de la Guerre) fait preuve de dons phénoménaux dès son plus jeune âge, obtenant la reconnaissance du public dès l'âge de six ans.

À dix ans, elle est qualifiée de "merveille" par la revue Mercure galant : "Elle joue à l'oreille les musiques les plus difficiles. Elle s'accompagne, et accompagne ceux qui veulent chanter, au clavecin, où elle joue d'une manière inimitable. Elle compose des morceaux et les joue dans toutes les tonalités qu'on lui demande". Louis XIV est si impressionné qu'il la confie à sa maîtresse de l'époque, Madame de Montespan, et encourage constamment sa carrière.

Plusieurs manuscrits de ses œuvres des années 1690, y compris des sonates en solo et en trio, ont été conservés ; et l'un de ses opéras, Céphale et Procris, initialement présenté à Paris à l'Académie royale de musique en 1694, a été repris avec un immense succès en 1989. Son nom côtoie celui de ses plus grands contemporains français et mérite d'être mieux connu aujourd'hui.

Après avoir assisté à une représentation de l'opéra Castor et Pollux de Rameau, Debussy a décrit sa musique comme étant "composée d'une tendresse délicate et charmante, d'une accentuation précise, d'une déclamation stricte dans le récitatif, sans cette affectation allemande de profondeur ou le besoin de tout souligner ou expliquer deux fois".

Rameau est aujourd'hui surtout connu comme compositeur d'opéra, mais il a commencé sa carrière comme claveciniste et organiste prodigieusement doué, étudiant en Italie à l'adolescence avant de travailler comme organiste dans de nombreuses villes de province françaises. Homme d'une formidable intelligence (il correspondait avec Voltaire sur une grande variété de sujets), sa musique est à la fois immédiate dans sa communication expressive et loin d'être prévisible, son étrangeté harmonique et sa nature aventureuse étant évidentes, qu'elle soit jouée au clavecin ou au piano.

Rameau est passé tardivement à l'opéra, son premier (Hippolyte et Aricie) ayant été mis en scène alors qu'il avait 50 ans. Cela montre déjà que Rameau était un compositeur accompli pour la scène, bien que son œuvre la plus réussie et aujourd'hui la plus souvent jouée et enregistrée soit Les Indes galantes (1735), un chef-d'œuvre haut en couleur et anticolonialiste.

Dès son enfance, il aime la musique et apprend à jouer de la guitare et de la flûte. Il entre au Conservatoire de Paris en 1826 et tente de remporter le Prix de Rome, le prix de musique le plus prestigieux de France, mais perd à quatre reprises. Il remporte finalement le prix en 1830 avec sa cantate La Mort de Sardanapale (1830).

Bien que, à bien des égards, Hector Berlioz soit atypique parmi les compositeurs français, l'impact qu'il a eu sur la musique en dehors de la France (plus particulièrement en Russie) est tel qu'aucune sélection des principaux compositeurs français ne pourrait se passer de lui. Romantique fougueux qui a embrassé les extrêmes de l'expérience humaine (surtout dans sa Symphonie Fantastique, mais aussi dans son oratorio dramatique La damnation de Faust et même dans son Requiem), il a également développé l'expressivité limpide de Gluck (bête noire de Debussy) dans nombre de ses chansons et arias.

L'héritage du compositeur polonais Frédéric Chopin est impressionnant pour plusieurs raisons. Pendant les 30 années qu'il a passées à produire de la musique de renommée mondiale, Chopin ne s'est produit en public qu'à 30 reprises. En outre, il s'est le plus souvent limité au piano. Sa dévotion singulière au clavier a porté ses fruits. Plus que tout autre musicien, Chopin a démontré la variété des sentiments que cet instrument peut susciter.

Selon Ted Libbey, "Chopin a banni l'ordinaire de sa musique et a ouvert la porte à une ambiguïté émotionnelle qui continue d'intriguer les auditeurs - une ambiguïté dont la communication exige des subtilités d'exécution que des générations de pianistes se sont efforcées d'atteindre. Les textures lumineuses et les mélodies obsédantes qu'il a utilisées pour exprimer ses pensées ont ajouté au son du piano et à sa gamme de nuances de couleurs que personne avant lui n'avait imaginé."

Charles Gounod a étudié la composition auprès d'Anton Reicha (lui-même ancien élève de Beethoven et l'un des meilleurs professeurs de composition de l'époque), et semblait promis à une brillante carrière, remportant non seulement le prestigieux Prix de Rome mais aussi les éloges de musiciens aussi divers que Berlioz et Mendelssohn.

Pourtant, même de son vivant, sa réputation était éclipsée. De sa douzaine d'opéras, on ne se souvient aujourd'hui que de Faust (1859), un succès international en son temps. Bien qu'il ait certains des attributs du grand opéra romantique, il comprend plusieurs moments de charme typiquement français - comme la "chanson du bijou" de Marguerite (rendue célèbre par le "rossignol milanais" Bianca Castafiore d'Hergé, qui inflige régulièrement son interprétation de cet air phare), et le charmant "Faites-lui mes aveux" chanté par Siébel (Ravel, dans un double hommage pianistique, a paraphrasé cet air dans le style de Chabrier).

On peut se faire une idée de la polyvalence et de la diversité de Gounod en écoutant ses deux symphonies, composées dans les années 1850, la "Marche funèbre d'une marionnette", composée alors qu'il vivait à Londres dans les années 1870 et rendue célèbre par son utilisation dans la série télévisée Alfred Hitchcock Presents..., et l'Ave Maria, dont il a ajouté la mélodie au Prélude en do majeur du Clavier bien tempéré de Bach.

Il y a peut-être encore des personnes qui prétendent qu'Offenbach, un juif allemand né à Cologne, n'a rien à faire parmi les "grands compositeurs français". Mais Jacob (c'est son nom) s'est révélé si prodigieusement doué comme violoncelliste que son père a été persuadé que lui et son frère Julius, tout aussi talentueux, devaient étudier au prestigieux Conservatoire de Paris. Très vite, Offenbach s'ennuie dans le milieu austère du Conservatoire et se retire après sa première année, trouvant un emploi de violoncelliste à l'Opéra-Comique. Ne pouvant y réaliser ses ambitions de compositeur, il se détache et finit par créer son propre Théâtre des Bouffes-Parisiens.

Après avoir écrit plusieurs opérettes en un acte, sa première opérette complète, Orphée aux Enfers (dont le décor est fourni par Gustav Doré), reçoit une critique hostile, condamnant l'œuvre pour son caractère blasphématoire et son manque de révérence - ce qui ne fait qu'accroître l'intérêt du public et en fait un énorme succès au box-office. Son numéro le plus célèbre, connu aujourd'hui sous le nom de Can Can, s'intitulait à l'origine "Galop infernal" : ce n'est que lorsqu'il a été adopté par le Moulin Rouge qu'il a été associé à la chorégraphie acrobatique des jeunes filles.

Mais le grand chef-d'œuvre d'Offenbach est son opéra Les Contes d'Hoffmann. Au moment de sa mort, il avait réussi à achever la partition pour piano, mais n'avait orchestré que l'ouverture et le premier acte. Son numéro le plus célèbre est la Barcorolle, "Belle nuit, ô nuit d'amour", l'un des numéros les plus séduisants de tout l'opéra.

Camille Saint-Saëns était un enfant prodige et un pionnier doué de la musique française, et est surtout connu pour avoir été le premier Français à composer des poèmes symphoniques. Après avoir obtenu son diplôme au Conservatoire de Paris, il devient organiste à la célèbre église de la Madeleine en 1857 et reste lié à l'église parisienne pendant 20 ans.

La musique de Saint-Saëns est assez trompeuse. Il adorait Mozart, et ses compositions aspirent souvent à l'élégance discrète de ce compositeur autrichien. Pourtant, il prenait également plaisir aux diableries théâtrales de Franz Liszt et à l'inventivité sauvage de Russes tels que Moussorgski (tout en devenant un ami proche de Tchaïkovski). Le fait qu'il aimait jouer avec les pièges théâtraux du pianiste-compositeur romantique est évident dans son Concerto pour piano n° 2, qui cite même des accords lugubres de Don Giovanni de Mozart, dont l'anti-héros est envoyé en enfer pour son refus de se repentir de ses méfaits.

Pourtant, Saint-Saëns était capable d'écrire de la musique tendrement lyrique, notamment "Le cygne" dans Le Carnaval des Animaux, ainsi que La muse et le Poète - une œuvre qui a une forte affinité avec celle de son élève bien-aimé, Gabriel Fauré.

Bizet est mort alors qu'il venait de composer son premier grand succès, l'opéra Carmen, avec la promesse de réalisations bien plus ambitieuses. Élève de Charles Gounod, dont les symphonies étaient clairement un modèle pour sa propre Symphonie en ut, Bizet a écrit ses œuvres les plus durables dans les années 1870.

Tout d'abord, Jeux d'enfants, à l'origine pour duo de pianos, mais aujourd'hui plus célèbre sous la forme d'une suite orchestrale arrangée à partir de cinq des douze mouvements originaux. Vient ensuite sa musique de scène, à la fois lapidaire et richement évocatrice, pour L'Arlésienne, dont il a lui-même tiré une suite en quatre mouvements (dont l'Adagietto a sûrement inspiré le célèbre mouvement lent de la Cinquième Symphonie de Mahler).

Enfin, son grand chef-d'œuvre d'opéra, Carmen, avec son héroïne provocante et farouchement indépendante dont le malheur est de se retrouver mêlée à un soldat très sérieux et peu ouvert sur le monde, qui ne peut passer à autre chose lorsque leur relation prend fin.

Gabriel Fauré est l'un des compositeurs français les plus remarquables de sa génération. Son style de musique a influencé de nombreux compositeurs du XXe siècle. À neuf ans, il entre à l'École Niedermeyer, l'école de musique d'église de Paris et il y suit une formation de chef de chœur et d'organiste d'église. L'un de ses professeurs était Camille Saint-Saëns, avec qui il a entretenu une amitié de toute une vie.

La musique de Fauré est généralement douce, comme l'était l'homme lui-même, l'antithèse même de l'héroïsme musclé d'un Beethoven. Son œuvre la plus célèbre, le Requiem, a été écrite, disait-il, pour "consoler les vivants", et rompt avec les conventions en ne ressassant pas le thème du jugement divin. La plus grande réussite de Fauré se situe dans le domaine de la chanson, avec le cycle de chansons La bonne chanson et des joyaux aussi séduisants que "Les roses d'Ispahan" et "Après un rêve".

Sa musique de chambre, une fois que l'on s'est habitué à son style discret, possède autant de puissance émotionnelle que celle de ses pairs allemands du romantisme tardif. Bien qu'il ait relativement peu écrit pour orchestre, plusieurs suites dérivées de sa musique de scène pour Pelléas et Mélisande, Shylock et Masques et bergamasques sont de bonnes introductions alternatives au style doux et discret de Fauré.

Claude Debussy, l'un des plus célèbres compositeurs français de tous les temps, est né en 1862 en Seine-et-Oise, dans la banlieue de Paris. Il commence à apprendre le piano à l'âge de sept ans et, dès l'âge de dix ans, il étudie au Conservatoire de Paris.

Bien qu'il n'aimait pas ce terme, le style de composition de Debussy est souvent qualifié d'impressionniste, d'après le mouvement artistique du XIXe siècle. Cela signifie que sa musique était souvent ambiguë et qu'il utilisait des éléments comme la gamme des tons entiers et la symétrie pour créer cette ambiguïté.

Debussy a écrit un certain nombre de morceaux célèbres, mais sa contribution la plus connue à la musique classique est probablement Clair de Lune pour piano solo. Parmi les autres morceaux remarquables, citons Suite Bergamasque, Deux Arabesques, La Mer, Prélude à l'Après-Midi d'un Faune et La Fille aux Cheveux de Lin. Le monde harmonique qu'il a créé était unique en son genre, et sa musique a inspiré une foule d'imitateurs. Pourtant, aucun d'entre eux n'a atteint la perfection limpide de ses dernières sonates, en particulier la Sonate pour flûte, alto et harpe.

Après une éducation bourgeoise plutôt stricte, Satie devient étudiant en piano au Conservatoire de Paris mais est renvoyé pour travail insatisfaisant. Il commence sa carrière comme pianiste de café dans divers établissements, dont Le Chat Noir, dans le quartier bohème de Montmartre.

C'est là qu'il écrit des chansons de cabaret grivoises, dont "Je te veux" et "La diva de l'empire", ainsi que ses trois Gymnopédies pour piano seul - des mélodies intemporelles et limpides avec un accompagnement des plus simples qui étaient l'antithèse totale du romantisme tardif de l'époque. Ses compositions, s'alignant étroitement sur les mouvements artistiques surréalistes et d'avant-garde, ont d'ailleurs été le précurseur du théâtre de l'absurde et de la musique minimaliste et répétitive.

Satie se lie d'amitié avec Debussy, voit ses pièces pour piano défendues par Ravel et est pendant un temps le parrain spirituel des jeunes compositeurs français en pleine ascension connus sous le nom de "Les six" - jusqu'à ce que deux de leurs membres, Georges Auric et Francis Poulenc, l'offensent en lui envoyant un hochet pour bébé sur lequel ils avaient dessiné un visage et collé une barbe en caricaturant l'apparence de Satie.

Longtemps considéré - le plus souvent à tort - comme un rival en devenir de Debussy, Ravel est aujourd'hui reconnu comme un grand maître à part entière. S'il a profondément admiré les Nocturnes de Debussy, qui ont influencé certaines de ses œuvres comme la Rapsodie espagnole, il avait auparavant savouré les œuvres de Chabrier et de Satie, et s'est ensuite intéressé à d'autres compositeurs comme Arnold Schoenberg, Igor Stravinsky (un ami personnel), Béla Bartók et George Gershwin, empruntant des idées et les transformant dans son propre style.

Stravinsky l'a un jour décrit comme "le plus parfait des horlogers suisses" - chacune des œuvres de Ravel est en effet fabriquée avec soin, sans aucune note ni effet inutiles. Son morceau le plus célèbre est probablement le Boléro, issu d'un ballet qu'il a composé.